PRÉSENTATION PERFORMANCE

Présentation performance 

La performance est un genre dans lequel l'art est présenté «en direct», généralement par l'artiste, mais parfois avec des collaborateurs ou des artistes interprètes ou exécutants.

Il a joué un rôle dans l'art d'avant-garde tout au long du vingtième siècle, jouant un rôle important dans les mouvements anarchiques tels que le futurisme et Dada. Devant l’absurdité de la guerre, les artistes Dada croient à un art frivole, ludique et léger (Hugo ball évêque magique en costume cubiste, Zurich 1916 cabaret voltaire )

                 Hugo ball évêque magique en costume cubiste, Zurich 1916 cabaret voltaire

L'épanouissement le plus important de l'art de la performance a eu lieu à la suite du déclin du modernisme et de l'expressionnisme abstrait dans les années 1960, et il a trouvé des représentants à travers le monde. L'art performance de cette période était particulièrement axé sur le corps, Et est souvent appelé Body art. 

Cela reflète la soi-disant «dématérialisation de l'objet artistique», cela reflète également la politique de l'époque d’après guerre et la montée du féminisme.

L'art de la performance appuie les styles et les idées d'autres formes d'art, 

ou parfois d'autres formes d'activité non associées à l'art, comme le rituel, ou des tâches liés au travail. 

Si le cabaret et le vaudeville ont inspiré des aspects de la performance de Dada, cela reflète le désir de Dada d'embrasser les formes d'art populaires et les modes d'adresse culturels de masse. 

Plus récemment, les artistes de performance ont emprunté des gestes à la danse et au sport en général.

Certaines variétés de performance de la période d'après-guerre sont généralement décrites comme des "actions". Le terme reflète une souche de l'art de performance américain qui pourrait résulter d'une réinterprétation de la « peinture d'action », dans laquelle l'objet de l'art n'est plus une peinture sur toile, mais une action du corps de l'artiste (jackson pollock)

CHRIS BURDEN

Au début des années 1970, Chris Burden se fait en effet connaître en tant qu’artiste par une série de performances mettant son propre corps à l’épreuve. Chris Burden rampe dénudé sur une surface couverte de verre pilé (Through the night softly, 1973), se fait crucifier sur une Volkswagen Beetle (Trans-fixed, 1974) ou encore se fait tirer une balle dans le bras – la célèbre performance Shoot de 1971 à laquelle l’œuvre de Chris Burden sera parfois réduite.

    Souvent taxée de sensationnalisme, cette première période de l’œuvre de Chris Burden a pu trouver sa justification dans une démarche relativement simple : partant du constat que nous ne sommes que rarement confrontés aux situations extrêmes qui ont pourtant fini, par le biais de la télévision et du cinéma, par saturer notre imaginaire, Chris Burden se propose de faire l’expérience de ces situations[1]. Si l’on ne retient souvent de Chris Burden que ses performances les plus spectaculairement violentes, il convient de ne pas oublier qu’il teste alors également les limites de son corps dans des performances d’endurance : restant caché dans le faux plafond d’une galerie pendant l’intégralité d’une exposition (White Light / White Head, 1975), s’enfermant durant plusieurs jours dans un casier (Five Day Locker Piece, 1971) ou encore se faisant scotcher au mur d’un musée pendant ses horaires d’ouverture (Oh Dracula, 1974).
Ces risques ne sont par ailleurs non-exempts d’une forte provocation, ainsi une autre performance consistera pendant toute la durée d’une exposition dans un musée d’art contemporain de s’allonger au milieu d’une pièce et de rester parfaitement immobile. Cette performance prendra fin lorsqu’un visiteur plus hardi que les autres, après deux semaines d’exposition, s’enquierera auprès de Chris Burden, allongé à terre et silencieux, de savoir si tout va bien et si le visiteur peut faire quelque chose pour lui, Chris Burden de se relever et d’exulter qu’enfin, après deux semaines d’exposition, quelqu’un lui a adressé la parole pour s’assurer qu’il ne courrait aucun danger.

Que l’on pense à toutes les fois où nous avons croisé dans la rue un clochard, allongé, dans la rue, et que nous n’avons pas su quoi faire. C’était peut-être aussi simple que de lui adresser la parole. De lui demander si on peut faire quelque chose pour lui, ou pour elle. 

Through the night softly, 1973:

https://youtu.be/cxmy4aQ1dZY

                                  " trans fixed" 1974

Shoot 1971

https://youtu.be/26R9KFdt5aY

                                     "oh dracula" 1974 

GINA PANE

L'art de Gina Pane émerge à la fin des années 60 lorsqu'elle entame une série d’actions interrogeant le rapport que nous entretenons avec la nature. Terre protégée I (1968) présente cent vingt petites structures de bois reliées les unes aux autres par des ceintures de chanvre, et dont la surface a été marquée par une inscription faite au feu. D’abord déployée en pleine nature, cette installation a ensuite été déplacée en intérieur. Dès lors, le sol des galeries présentant l’installation se trouve couvert de terre, afin que l’artiste puisse y déposer les cent vingt petites boîtes, comme elle le faisait auparavant en pleine nature.
Cette œuvre veut ainsi réactiver la dimension rituelle d’un geste en voie de se perdre: celui de la main de l’homme se plongeant dans la terre, au moment même où l’urbanisation et la mécanisation de l’agriculture connaissent leur essor. La sensibilité de Gina Pane semble alors avoir mis le doigt sur un problème qui nous est depuis devenu familier: celui de la préservation de la nature.

Enfoncement d’un rayon de soleil se présente comme une œuvre plus poétique, dont quatre clichés photographiques et quelques dessins préparatifs viennent rapporter la performance de Gina Pane. On la voit creuser un trou dans la terre puis, à l’aide d’un petit miroir venant réfracter la lumière du soleil, dévier un rayon vers le fond de la cavité afin de réchauffer cette parcelle.
Cette œuvre vient également attester du processus de création de Gina Pane: ses performances étaient pensées et détaillées dans des petits schémas ou des petits dessins rendant compte des différentes étapes de l’action à exécuter. Et la photographie vient relever des moments clés de la performance.

Gina Pane déplace ensuite la question du corps dans son rapport au public et à la figure de l’Altérité. Azione sentimentale (1973) demeure en ce sens la performance la plus éloquente et la plus marquante de cette période. A nouveau, l’action se décompose en deux mouvements successifs.
Dans un premier temps, Gina Pane, toute vêtue de blanc, répète deux fois une même séquence avec un bouquet de roses blanches, puis un bouquet rouge. Elle va et vient avec les bouquets, prend une pose fœtale puis se lève, face à un public dont le premier rang doit être exclusivement féminin. La performance atteint son paroxysme lorsque Gina Pane s’enfonce des épines de rose dans le bras, puis s’ouvre la main avec une lame, transformant ainsi son bras en tige et sa main en bouton de rose.

Pourtant, cette violence faite à soi-même ne doit pas s’interpréter comme un acte masochiste ou dégradant. Car il faut comprendre que la violence que s’inflige Gina Pane est une action tout à fait déterminée et incarne un langage rigoureux. La blessure infligée est un acte «lucide, prudent et retenu» comme l’explique elle-même l’artiste. Elle exprime aussi le don de soi envers l’autre, lorsque le corps, en se faisant rose, incarne l’amour ou l’érotisme.

" Terre protégée" 1968 version extérieure

"Terre protégée" 1968 version musée

" enfoncement d'un rayon de soleil" 1969

"azione sentimentale" 1973

"azione sentimentale" 1973
YOKO ONO

Yoko Ono est une artiste à la fois plasticienne, musicienne, vidéaste et engagée pour la paix.

(Cut Piece)1964

Cette œuvre a été interprétée à Kyoto, Tokyo, New York et Londres. Yoko Ono en est l’interprète habituelle, elle arrive sur scène, s’assoit, pose une paire de ciseaux devant elle et demande aux spectateurs de monter un par un sur la scène et de couper un morceau de son vêtement au choix et de l’emporter. L’interprète reste immobile pendant toute la durée de l’interprétation.
La pièce se termine lorsque l’interprète le décide.

Cette pièce à une seconde version pour le public :

On informe les spectateurs qu’ils peuvent couper les vêtements des autres spectateurs.
L’œuvre dure tant que les spectateurs en ont envie.

Yoko Ono, “Strip-Tease Show”, 1966

https://youtu.be/lYJ3dPwa2tI

VALIE EXPORT

Waltraud Lehner, dite Valie Export est une artiste autrichienne, née en 1940 à Linz. Artiste engagée, elle réalise à la fois des performances, des vidéos et des photographies conceptuelles

En 1968 avec (Selbsportrait), VALIE EXPORT affiche son identité : l’année précédente, elle avait gommé son nom de naissance et s’était approprié une marque de cigarettes bon marché – Smart Export – comme nom d’artiste et raison sociale.

D’emblée, la jeune artiste bousculait l’ordre établi des choses et lançait son travail avec une détermination rebelle. Le fait d’être femme sera la matière de son art. 1968, la date mérite d’être soulignée – alors qu’aujourd’hui les Sixties résonnent fréquemment comme une variante du « rétro » –, l’Autriche finissait d’être secouée par les actionnistes viennois et leur violente et outrageante révolte. VALIE EXPORT leur doit sans doute beaucoup, mais les renvoie à leurs attitudes machistes et misogynes et promène dans le centre de Vienne un homme tenu en laisse comme un chien (« Mappe des Hundigkeit » [De l’archive canine], 1968). Cette performance ne doit toutefois pas être vue comme une plaisanterie sadique pour humilier le machisme…

Elle questionne ce que l’on est amené à ressentir lorsqu’on est contraint à vivre un rôle qui n’est pas le nôtre.

Son corps devient médium : en confrontation directe avec le réel, accusant sans détours l’emprise autoritaire masculine, il questionne l’identité féminine, féministe, corporelle, sexuelle (série des photographies « Identität-transfer »).

Dans les années 1960-1970, renonçant aux musées et aux galeries, trop conservateurs pour ses propositions expérimentales, VALIE EXPORT a choisi les rues pour y agir. Ses performances déployaient une charge provocatrice singulière dont l’audace conserve aujourd’hui tout son pouvoir de subversion : offrir ses seins au toucher masculin au travers d’une boîte qui les rend invisibles (« Tapp und Tast Kino », 1968), entrer dans un cinéma avec des jeans échancrés autour de son sexe et un fusil à la main (« Aktionhose : Genital Panik », 1969)… VALIE EXPORT retourne comme un gant la position de la femme : d’objet elle devient sujet, c’est elle qui tient le rôle actif et détient le pouvoir.

"Selbsportrait" 1968 

" de l'archive canine" 1968

" identity transfert" 1968

"Tapp und Tast Kino"1968

CAROLEE SCHNEEMANN

née le 12 octobre 1939 à Fox Chase en Pennsylvanie, est une artiste plasticienne américaine qui a beaucoup travaillé avec le corps, s'intéressant notamment à la sexualité et au genre.

Son œuvre est principalement caractérisée par une recherche sur les traditions archaïques visuelles, les tabous, et le corps de l'artiste dans sa relation dynamique avec le corps social.

 Carolee Schneemann est une artiste américaine née le 12 octobre 1939 à Fox Chane en Pennsylvanie. Artiste interdisciplinaire, elle débute avec la peinture, puis essaye la vidéo, créée des installations et réalise des performances. Nous allons mettre l’accent sur une de ses œuvres, Eye Body : 36 transformative actions, réalisée en 1963.  Cette performance est immortalisée par une série de 36 photographies où l’artiste pose nue peinturlurée avec des motifs tribaux accompagnée de différents objets-matériaux posés sur elle (laine, fourrure, serpent). Elle fait sa performance au sein de son atelier constitué de divers objets (œuvres picturales, morceaux de bois, bâche) et est photographiée par l’artiste peintre Erro. Par le biais de cette performance, l’artiste explore son corps et pousse la connotation érotique voulant alors questionner les normes sociales et de genres, par le regard que l’on porte sur son œuvre. Le corps est alors posé comme matériau et Carolee Scheenmann comme artiste maîtresse de son corps, de son œuvre.

Elle dira notamment «  Je suis à la fois l’artiste, le fabricant de l’image et l’image »¹. Il y a une totale maîtrise de la conception. Son œuvre est engagée dans la reconnaissance de la femme comme artiste, et non comme muse ou modèle : idée encore très présente dans la scène artistique des avants-gardes américaine des années 60 où elle s’inscrit. Si nous revenons au titre de l’oeuvre Eye Body : 36 transformatives actions, cela renvoie au corps comme le médium de la transformation physique, Carolee Schneemann se transforme dans quelques-unes de ses actions en femmes mythiques, puissantes et historiques. Ainsi, l’artiste s’intéresse au corps et son rapport à l’histoire, au monde et à soi. La question du regard est  très intéressante car elle implique un regard tripartite, celui de l’artiste, de celui qui photographe et du notre, spectateur. Ainsi, cette question du regard, de l’espace choisi, et du corps seront abordées dans cette article, qui ensemble participe à l’intelligence de l’œuvre de Carolee Schneemann.

"eye body" 36 transformation 1963
VITO ACCONCI

VITO ACCONCI

né le 24 janvier 1940 à New York et mort le 27 avril 2017 dans la même ville1, est un artiste et vidéasteaméricain.

Avant d’expérimenter des médias comme la photographie, le son ou la performance, Vito Acconci se consacrera d’abord entièrement à la poésie. Ayant fait des études de littérature à Holy Cross College en 1962 et de poésie à l'université de l'Iowa en 1964, il écrit des nouvelles dans le magazine Olympia et crée la revue 0 to 9. Bien avant de passer aux visuels, Vito Acconci a déjà une approche très plastique de l’écriture et de la page qu’il considère comme un espace de performance réduit. C’est à partir de cette notion d’espace qu’il entame une série d’expérimentations sur différents media afin d’explorer l’espace réel, temporel, social ou encore culturel. Mais c’est surtout à travers ses performances physiques qu'Acconci sera reconnu. À partir de 1969 avec Following Pieces, « Une fois par jour, où que je sois, je prends un badaud au hasard en flature. Chaque jour, je suis une personne différente ; je ne m'arrête de la suivre que lorsqu'elle a disparu dans un espace privé (chez elle, au bureau, etc.) » où je ne peux pas entrer. il consacre son travail à l’étude expérimentale de la place de son propre corps et de celle du spectateur.

Parmi les spectacles, Seedbed est le plus célèbre, et est reconnu comme l'une des plus importantes œuvres d'art en direct des années 1970. Dans une galerie autrement vide, une rampe a été construite sur le sol s'étendant du centre de la galerie à la paroi arrière. Au cours des heures où le travail a été activé, les mercredis et samedis lors de l'exposition, Acconci s'est positionné dans l'espace confiné sous la rampe et a plusieurs fois été masturbé, en utilisant le son des visiteurs qui se promenaient au-dessus de lui pour alimenter ses fantasmes sexuels. Il a parlé dans un microphone et son monologue onaniste a été transmis aux visiteurs par des haut-parleurs installés dans les coins de la galerie

following peace 1969/2011

"seedbed" 1972
https://www.dailymotion.com/video/x7ygpc_vito-acconci-seedbed-1972_creation
MARINA ABRAMOVICK ET ULAY

VITO ACCONCI

né le 24 janvier 1940 à New York et mort le 27 avril 2017 dans la même ville1, est un artiste et vidéasteaméricain.

Avant d’expérimenter des médias comme la photographie, le son ou la performance, Vito Acconci se consacrera d’abord entièrement à la poésie. Ayant fait des études de littérature à Holy Cross College en 1962 et de poésie à l'université de l'Iowa en 1964, il écrit des nouvelles dans le magazine Olympia et crée la revue 0 to 9. Bien avant de passer aux visuels, Vito Acconci a déjà une approche très plastique de l’écriture et de la page qu’il considère comme un espace de performance réduit. C’est à partir de cette notion d’espace qu’il entame une série d’expérimentations sur différents media afin d’explorer l’espace réel, temporel, social ou encore culturel. Mais c’est surtout à travers ses performances physiques qu'Acconci sera reconnu. À partir de 1969 avec Following Pieces, « Une fois par jour, où que je sois, je prends un badaud au hasard en flature. Chaque jour, je suis une personne différente ; je ne m'arrête de la suivre que lorsqu'elle a disparu dans un espace privé (chez elle, au bureau, etc.) » où je ne peux pas entrer. il consacre son travail à l’étude expérimentale de la place de son propre corps et de celle du spectateur.

Parmi les spectacles, Seedbed est le plus célèbre, et est reconnu comme l'une des plus importantes œuvres d'art en direct des années 1970. Dans une galerie autrement vide, une rampe a été construite sur le sol s'étendant du centre de la galerie à la paroi arrière. Au cours des heures où le travail a été activé, les mercredis et samedis lors de l'exposition, Acconci s'est positionné dans l'espace confiné sous la rampe et a plusieurs fois été masturbé, en utilisant le son des visiteurs qui se promenaient au-dessus de lui pour alimenter ses fantasmes sexuels. Il a parlé dans un microphone et son monologue onaniste a été transmis aux visiteurs par des haut-parleurs installés dans les coins de la galerie

"Relation work"1977
https://youtu.be/1sRSoGAc3H0
"relation in space"1979
https://youtu.be/I8Iba_3kVQw

MERCE CUNNINGHAM

Né en 1919, Merce Cunningham, après une formation initiale à la Cornish School, intègre la compagnie de Martha Graham, une référence de la danse moderne. Mais, rapidement insatisfait, Cunningham quitte dès 1945 la troupe de Graham et va commencer à composer ses propres chorégraphies

Si la danse contemporaine parvient à nous surprendre, nous émouvoir, nous faire réfléchir, elle le doit sans aucun doute à un seul homme: Merce Cunningham. Le chorégraphe américain a bouleversé les codes de la danse moderne et posé les bases de la danse contemporaine telle que nous la connaissons maintenant.

Dès sa première pièce 16 danses pour soliste et compagnie de trois, Cunningham intègre un concept novateur dans la danse: le hasard. Il refuse donc l'idée de fil conducteur et choisit l'ordre des sections de sa chorégraphie au hasard (des pièces de monnaies jetées en l'air décident pour lui). Cunningham surprend son spectateur, il le rend aussi actif. Il intellectualise son art et contraint le spectateur à la construction d'un sens à ce qu'il voit.

Cunnigham découple la danse de la musique. La chorégraphie ne suit plus le rythme de la musique, mais est définie par un temps précis. La danse compose alors sa propre musique, et chaque geste, chez Cunningham, peut être perçu comme une note.

« Le mouvement est expression au-delà de toute intention » (M. Cunningham).

Cage suggère que la musique est un bruit, que tout bruit constitue une matière musicale ; il substitue l’aléatoire aux lois de

composition musicale.

Cunningham, pour la danse, mènera une démarche « parallèle » où la danse ne sera considérée que comme mouvement à l’état pur.

Le mouvement sera exploré pour lui-même, le mouvement en lui-même est objet d’expérimentation. Donc nul n’est besoin de thème,

d’intrigue ; toute implication symbolique ou psychanalytique est rejetée.

Le spectateur est entraîné par le rythme des pas des danseurs. Le chorégraphe laisse une liberté importante à ses danseurs dans l'utilisation de l'espace. Ceux-ci peuvent se mouvoir dans tout l'espace disponible. Il n'y a pas de hiérarchie chez les danseurs , chacun est "son propre centre" contrairement à la danse classique. Et si on perçoit chez Cunningham l'influence de la danse classique (dans certains mouvements), il n'y a toutefois pas de "danseur étoile" dans ses pièces. Le spectateur peut donc laisser divaguer son regard parmi les danseurs et ne pas se concentrer sur un seul. La liberté des danseurs permet celle du spectateur.

Cunningham assimile la danse à un spectacle total (idée que l'on retrouve chez Philippe Decouflé). Il intègre divers arts (musique, arts plastiques, vidéo) à ses chorégraphies. Cunningham est le premier à utiliser la vidéo en filmant ses chorégraphies. Elle n'est pas juste un support, la vidéo est partie prenante de la chorégraphie dans un désir d'universalisation de cet art. Sa théorie du hasard le pousse à travailler aussi avec l'informatique. Il crée avec des informaticiens le logiciel Lifeform. Avec ce logiciel il essaye depuis trackers en 1991, avec un danseur modélisé, de combiner des mouvements aléatoires dans un ordre lui aussi indéfini.

En 1999 il crée la pièce biped, composer de 14 danseurs sur une durée de 47 minutes. Les danseurs sont habillés d’académique bleu et ils portent des capteurs qui enregistrent leur mouvement et les modélise en 3d c’est ce qu’il appelle la motion capture. Ces mouvement sont reproduit numériquement par les lumières sur la scène.

Cunningham est en perpétuel renouvellement de son art, poussant encore plus loin sa théorie du hasard. Cette recherche s'achèvera à sa mort, en 2009.

Son travail me permet d’opérer un transition de taille car nous voici arriver dans les années 90.

"16 danses pour solistes et compagnie de trois" 1960

procéder life forms
https://youtu.be/ROmTHBg8Nw0

.

"biped" 1999

http://www.ina.fr/video/CAC99046732
JOHN CAGE

LILI REYNAUD DEWAR

My Epidemic (Small Modest Bad Blood Opera)

2015

Installation. Tissu, encre, peinture, métal, enceintes, amplificateurs, vidéos, écrans LED, bande son

29 min 58 s

Musique composée par Nicolas Murer

L’opéra représente une forme optimale en ce sens qu’il associe la quasi totalité des pratiques artistiques — chant, musique, danse, écriture (livret), sculpture (décor, scénographie) — à laquelle l’artiste a rajouté un art « de notre époque » : la vidéo. Les « machines » de Reynaud Dewar ne représentent pas seulement une réflexion sur l’évolution des formats de l’art contemporain, elles sont au service d’un regard approfondi sur la société dans laquelle nous vivons

https://youtu.be/1sK5SG2llAA

https://youtu.be/utAyetTYNxQ
my epidemic 2015
https://youtu.be/OyjLf4NmHX8

FRANCISCO LOPEZ

artiste sonore espagnol

Les performances sonores de Francisco López sont quelque chose au-delà d'un concert de musique «normal». Une expérience immersive sonore intense et riche dans l'obscurité, avec un système sonore multi-canaux surround et des chevauchements fournis au public. Les mondes virtuels du son créés à partir d'une myriade de sources originales recueillies dans le monde entier - des forêts tropicales et des déserts à des usines et des bâtiments à partir de multiples sites dans les cinq continents - et muté et évolué pendant des années de travail de studio grâce aux compétences de composition de Maître de López univers.

L'espace est reconfiguré avec un système surround multi-canaux autour du public, qui est placé dans des sièges disposés en cercles concentriques face à la gamme extérieure de haut-parleurs.

Il a collaboré

avec VALENTINA LACMANOVIC

.
Valentina Lacmanović est une artiste performeuse et danseuse . Elle a une Maîtrise en philosophie (Université Paris VIII). À partir de 2001, son travail s’ inspire des rituels, des pratiques chamaniques et des états de transe.

Immersive sound festival akira angleterre 2015

With-In performance trailer Valentina Lacmanović & Francisco López
https://youtu.be/RhOXB-t4Siw
DAVIDE BALULA

Davide Balula est né en 1978 à Annecy,

David Balula exploite toutes les formes de matières naturelles (solide, liquide, gaz, feu), ainsi que des structures et systèmes artificiels (architecture, réseaux virtuels) pour générer des peintures, des sculptures, des photographies, des performances et des interventions spécifiques au site. Il engage ces forces à alimenter les gestes artistiques contingents. Dans River Paintings , il lit la représentation du paysage en immergeant les toiles dans les rivières et les ruisseaux pour les inonder avec de l'eau, du sol et des algues. Les peintures enterrées conservent les taches et les sédiments sous terre, tandis que les peintures artificielles sont placées dans des chambres climatiques et soumises à l'humidité et aux températures extrêmes. Souvent, le spectateur est impliqué:

La performance et la collaboration imprègnent également l'art de Balula. Dans Endless Pace (Clock mécanique pour 60 danseurs) , organisé pour la première fois à Performa 09 à New York en 2009, soixante danseurs ont formé un cercle énorme et ont interprété les mouvements d'une horloge, marquant le passage du temps par l'improvisation humaine. En 2016, il crée Mimed Sculptures, une présentation réalisée d'œuvres canoniques de sculpture. Au-dessus des plinthes vides de différentes tailles, un groupe de mimes forme l'air de leurs mains, reconstituant des sculptures modernistes iconiques de Louise Bourgeois, Alberto Giacometti, Barbara Hepworth, David Smith et Henry Moore, pendant toute la semaine illimitée d'Art Basel.

Mimed sculpture :

Le rôle de l'auditoire dans le processus créatif d'une œuvre d'art est au centre de cette exposition. Différentes formes de participation sont offertes, en suivant des structures directionnelles évoquant des processus critiques de pensée ou générant une collaboration avec d'autres. 

mimed sculpture 2016 performance avec 6 mimes et 6 piedestaux

Endless space (Clock mécanique pour 60 danseurs) , organisé pour la première fois à Performa 09 à New York en 2009

https://youtu.be/Hr3lx28m0yc

MEREDITH MONK

née le 20 novembre 1942 à New York (États-Unis), est une compositrice, chanteuse, réalisatrice, scénariste, actrice, danseuse et chorégraphe américaine1. Son travail mêle des éléments de danse, de théâtre et de musique, et se situe à la frontière entre ces disciplines. Elle est considérée comme l'une des compositrices et interprètes les plus originales des États-Unis, notamment à cause de ses innovations vocales en matière de techniques de jeu étendues.

Dolmen Music est un ensemble de compositions et un album de Meredith Monk publié par le label ECM en 1981. L'album est un recueil de 5 compositions de Monk pour six vocalistes, violoncelle et percussions. L'exécutante principale est Meredith Monk elle-même, accompagnée du percussionniste Colin Walcott, ainsi que de Julius Eastman, Robert Een, Andrea Goodman, Paul Langland, Steve Lockwood.

Dolmen Music est considéré par certains critiques comme l'un des meilleurs enregistrement de Meredith Monk, l'album a notamment remporté le German Critic Best Record en 19812.

http://www.deezer.com/artist/2736

dolmen music 1981
https://youtu.be/7su7d76LhWg

CHARLES PENNEQUIN

Charles Pennequin est né le 15 novembre 1965

à Cambrai, dans le Nord de la France.

À l’heure actuelle, il cherche à comprendre la vie.

Charles Pennequin écrit un livre pour ça.

Si au bout du livre on n’a rien compris,

alors il faudra laisser tomber le livre par terre.

Peut-être même le livre tombera par terre avant.

Peut-être il n’y a rien à comprendre, pas une ligne.

Ne lisez pas les lignes pour comprendre la vie.

La vôtre de vie,

ou la mienne.

Souvent on dit ça.

On dit : J’ai la vie mienne.

Et je comprends rien.

Charles Pennequin écrit un livre

qui aide à rien comprendre au vivant.

Charles Pennequin est vivant.

Absolument vivant.

C’est-à-dire dans la merde.

"tomber dans la danse" 6/12/16

anti mouvement la danse

Je n’aime pas le mouvement. Tous les mouvements. Je n’aime pas quand ça bouge, quand il faut que ça bouge, que ça change. Fini le changement. Plus de mouvement ni de changement, ni de ça bouge. Bougeons dans le vent. Le vent ça sent. Nous tombons du vent. Le vent est mort et nous avec dans son mouvement. Son mouvement au vent c’était de danser. Le grand dansement. Le dansement c’est la danse qui nous ment. Nous ne voulons plus du mouvement, nous voulons du ment dansé, et c’est très différend, car nous ne voulons pas de la dépense. La dépense ment, tout comme la pensée. Nous tombons dans la danse. Nous nous laissons penser par elle. D’ailleurs elle ne pense pas la danse, elle pense-ment, car penser c’est déjà faire mouvement. Et à bas tous les mouvements ! A bas les pansements ! Nous dansons comme des écrasés. Nous n’avançons plus, sauf pour nous écarter du mouvement. C’est le mouvement de tout un chacun. C’est la danse à tout le monde. Alors nous nous écartons de tout le monde, c'est-à-dire de nous-mêmes. Nous sommes un corps qui change seulement pour danser. C’est-à-dire pour ressembler à l’écraser. Nous organisons la danse presse-purée. La danse cloporte. La pensée ne danse pas. Elle veut du mouvement. Elle veut également le grand écart. Le chant et le son. La musique et la vie. Tout ces écartements d’exister entre hier et maintenant pour malgré tout danser dans le grand cirque du vivant. Mais nous nous voulons la mort par écrasement, pas par la fuite. Penser est une fuite désespérée. Nous voulons la danse du ratatinement, pas du mouvement. Nous ne sommes pas morts. Nous sommes juste extrêmes. Extrêmement justes et vivants, jusqu’au prochain numéro. Le numéro suivant est le grand écart qui nous rassemble, le grand écart qui entre en nous-mêmes, par la parole et le geste. Pas par le mouvement. A bas les mouvements !

TOMBER LA DANSE 2016
https://youtu.be/movnthWGK-g

NADIA VADORI-GAUTHIER

Le champ qu’elle explore aujourd’hui est celui de la performance. Les disciplines dont elle nourris sa pratique sont l’art, la philosophie, les neuro-sciences, les sciences cognitives et les sciences de la nature, l’ethnographie, l’éthologie...

Elle questionne les frontières entre l'art et la vie, le visible et l'invisible, le mouvant et la forme, et base son travail sur différents états de corps et de conscience.

Ça l’engage à chercher différents modes somatiques, individuels et collectifs. ses thèmes actuels de recherche, basés sur la mise en œuvre d’un continuum théorique-pratique, concernent différents seuils de perception et de représentation dans le processus de création, ceci afin de produire un art qui reste connecté à la vie et qui permette de tisser de nouveaux agencements collectifs, en relation aux personnes et aux environnements, à partir de copropriétés fluides et ouvertes.  Ainsi, elle questionne le regard ainsi que les rapports au devenir-animal, à la nudité et à l’inconscient.

Engagée dans la mise en œuvre d’une poésie active et vivante, elle développe des hypothèses transversales et inter-disciplinaires de recherche (arts plastiques et visuels/ vidéo/ poésie sonore/ danse/ performance in  situ/ philosophie/ poétique), dans l’objectif de proposer des alternatives à la représentation en tentant de contribuer à penser de nouvelles modalités d'images dans les champs scéniques, chorégraphiques et performatifs, envisageant mes propositions non pas comme destinations formelles mais comme des vecteurs, esthétiques/ politiques/ somatiques de connexion au vivant.

 Dans un monde essentiellement basé sur l’image, je propose d’investir un corps qui n’a pas d’image à priori, et cette liberté me semble être une des clés de voûte de mutations esthétiques profondes.

http://www.leprixdelessence.net/

http://www.leprixdelessence.net/ressources-1/sons/

http://www.uneminutededanseparjour.com/

AMINA DAMERDJI

Pour­quoi votre atti­rances vers la poésie-performance et sonore ?

Ah… cela a été un che­mi­ne­ment. Je me sou­viens que la pre­mière claque que je me suis prise, c’était en jan­vier 2014, quand je suis allée écou­ter pour la pre­mière fois Charles Pen­ne­quin à la Java. Je me suis tout à coup dit que la poé­sie pou­vait être aussi cette forme de vie. Extra­or­di­nai­re­ment vivante, qui liait poli­tique, quo­ti­dien, nar­ra­tion, émotion et pen­sée sur la lit­té­ra­ture. Et qui liait les sens aussi : la vue et l’ouïe très puis­sam­ment. Et je voyais les gens dans la salle qui entraient com­plè­te­ment dans cet uni­vers et ce texte dit tout haut. Je me sou­viens en par­ti­cu­lier avoir entendu quelqu’un sor­tir de la salle à la fin de la lec­ture disant qu’il ne lisait jamais de poé­sie mais que cela lui don­nait envie d’en lire. C’est pour cela que je pense que la poé­sie dite « orale » et la poé­sie dite « écrite » ne sont pas du tout anta­go­niques. Les deux fonc­tionnent, l’oral et l’écrit, comme des balan­ciers, des mou­ve­ments qui par­fois se ques­tionnent dans leurs dif­fé­rences mais qui peuvent aussi se com­plé­ter.

C’est d’ailleurs ce que j’essaie de faire de plus en plus dans ma pra­tique. Je me suis ensuite beau­coup inté­res­sée à cet uni­vers poé­tique que je décou­vrais, à l’historique Ber­nard Heid­sieck, qui m’a bou­le­ver­sée, com­plè­te­ment. Et à beau­coup de poètes vivants mais plus âgés que moi (Serge Pey, Natha­lie Quin­tane, Jean-Michel Espi­tal­lier, Edith Azam et d’autres, je ne peux pas tous les citer). Et dans ce par­cours, l’autre bou­le­ver­se­ment ça a été d’entrer dans l’oeuvre de Julien Blaine (je pense avoir lu tout ce qu’il a écrit, ce qui n’est pas peu et vu toutes les cap­ta­tions de lec­tures et per­for­mances, ce qui n’est pas peu !), si riche, si inté­res­sante, si pro­téi­forme, qui lui aussi a sorti la poé­sie de la page de mul­tiples façons, par­fois en l’enserrant très visuel­le­ment sur le papier : la poé­sie visuelle est aussi pour moi une façon de décol­ler la poé­sie de la page du livre mar­chan­disé. Je m’arrête car j’ai déjà été trop longue et je pour­rais en par­ler des heures.

"Papa je veux être poéte" 2014
https://youtu.be/ydlmcj4VAlc

Tue toi 2016
https://youtu.be/dmTHY3929HU

SEBASTIEN LESPINASSE

Poète performeur, Sébastien Lespinasse aime provoquer des situations et des rencontres dans des lieux inattendus (laveries, gares...). Depuis plusieurs années, il explore les possibilités d'une mise en vibration de l'écriture par la projection du souffle: ses recherches l'ont ainsi conduit vers les pionniers de la poésie sonore (Kurt Schwitters, Tristan Tzara ou Isidore Isou) et à l'élaboration d'une forme de poème-partition au déroulement imprévu

Bruit de bouche pneuma récital 2009
https://www.centrepompidou.fr/cpv/resource/cBAR8Kp/rj9A4a

JULIEN BLAINE

Julien Blaine est né en 1942, à Rognac, au bord de l’Étang de Berre, flaque de mer jadis bleu-azur, aujourd’hui marron glacé. Il vit Ventabren et à Marseille et nomadise le plus possible.
Dénommé aussi Christian Poitevin (patronyme) et d’une ribambelle d’autres noms.
Éditeur de Doc(k)s et d’une ribambelle d’autres périodiques.
Auteur de 13427 poèmes métaphysiques et d’une ribambelle d’autres livres et catalogues.
Exposant de “du sorcier de V. au magicien de M.” et d’une ribambelle d’autres expositions.
Organisateur des Rencontres Internationales de Poésie de Tarascon et d’une ribambelle d’autres manifestations.
Fondateur du Centre International de Poésie de Marseille (C.I.P.M.) et d’une ribambelle d’autres espaces culturels.
Chantier : la poésie n’intéresse personne, la 5ème feuille ou l’écriture originelle, se constituer vrai/ment grand-père, le Verssicône, Chom’art,

La poésie est morte 1978
Tournée "Bye-bye la perf"
Images extraites du film "Bye-Bye la perf", réalisé par Marie Poitevin, 2005http://documentsdartistes.org/artistes/blaine/repro1-4.html

Danser le tango et la valse avec des carcasses de moutons ou de porcs, piétiner des volailles plumées et attendre que le dernier poète vienne ressusciter feue la poésie.

"Éléphante et la chute" 

2006
https://youtu.be/5Ack4elUMWk

 Ce film est une rencontre avec deux de ses performances : la chute dans les escaliers de la gare Saint-Charles et sa première en 1962. Ce film est une interprétation de sa création, de ses actions par sa fille. Ici, elle confronte le passé et le présent, elle invite le spectateur à déchiffrer, à ressentir, à créer du sens.

BERNARD HEIDSIECK

Né à Paris en 1928.
Ex-Directeur-adjoint à la Banque Française du Commerce Extérieur, Paris. Grand Prix National de Poésie 1991.
Ex-Président de la Commission Poésie du Centre National du Livre.
Il est l’un des créateurs, à partir de 1955 de la “poésie sonore” et à partir de 1962 de la “poésie action”. 1955 : premiers “Poèmes-partitions”, et à partir de 1959, utilisation du magnétophone en tant que moyen d’écriture et de retransmission complémentaire.  

Le jour, pendant des décennies, il a été banquier. La nuit, pendant ces mêmes décennies, il était poète et plasticien. Bernard Heidsieck, qui était né le 30 novembre 1928, est mort à Paris le 22 novembre 2014.

VADUZ 1978
https://youtu.be/CUPuZzPaFJM
De Vaduz, capitale du Lichtenstein (le plus petit pays au monde), Bernard Heidsieck fait le centre du monde, à partir duquel il recense et dit la liste des peuples et ethnies de la planète.
Avec Vaduz, l’auteur nous fait entendre, de façon spectaculaire, l’unique dans la diversité : à la fois une grande œuvre humaniste, et une expérience extrême de la poésie-action.

 PARTITION CONSONANTIQUE

http://ver.hypotheses.org/287

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http://www.yunihong.net/yuni_hong/yuni_hong.html
http://ferruelguedon.com/